La ilustración en el rock (1ª parte): Entrevista a Máximo Moreno

Ya iba siendo hora de dedicarle el espacio que merece en este blog a algo tan apasionante como es la ilustración musical. Para poder abarcar sus diferentes aspectos y entender su evolución y significados, he querido dividir el contenido en dos entrevistas, siendo la primera de ellas la que publico a continuación, una interesante charla con el gran Máximo Moreno. Es un honor para mí poder haber departido con el artista sevillano, al que profeso gran admiración por ser uno de los mejores y más originales ilustradores que ha dado España en los últimos tiempos. Dedicado durante toda su vida al arte en diferentes facetas, es conocido por haber puesto imagen a algunos de los más importantes trabajos de la música española de las últimas décadas, entre los que se cuentan discos de Triana, Alameda, Camarón, Paco de Lucía o Miguel Ríos, entre muchos otros. En Septiembre del pasado año se le homenajeó en un festival bajo el nombre de “Máximo Moreno entre amigos”, en el que participaron muchos de los talentos más notables de la música española. Máximo nos habla de esto y de mucho más en una jugosa charla que revela más de un dato sorprendente.

Máximo Moreno

Máximo Moreno

Encantado de saludarte Máximo. Antes de nada te quería dar las gracias por prestarte a hacer esta entrevista. Muchos son los años que llevas dedicado al arte, y en concreto que te dedicaste a plasmar en imágenes la música que grandes artistas de este país hicieron. En reconocimiento a esta trayectoria, el pasado 15 de Septiembre reconocidos músicos te rendían un concierto homenaje, en el que entre otros participaron artistas de la talla de Pepe Roca, Gualberto, Raimundo Amador, Antonio Smash o Miguel Ríos. ¿Qué significó para ti esta noche y qué recuerdos guardas de ella?

Encantado de contestarte. En primer lugar te envío anexo la documentación gráfica del homenaje. Estos diseños los hice 15 días antes, pues no sabía nada de lo que me estaban organizando mis dos hijas (María y Patricia), junto con mi amigo Alejandro Molina y la estrecha colaboración de Julio Moreno, Javier García Pelayo y una larga lista de artistas y amigos que colaboraron en tan inolvidable acontecimiento; como mi sobrino Miguel Ángel Dominguez que se ofreció desde un principio para ayudarme en la cuestión gráfica. A todos ellos, aprovecho tu blog para darles mi más profundo agradecimiento por su colaboración desinteresada en un trabajo intenso y complejo. Después de una perfecta organización y sin saber la respuesta que tendría de público, vino el día del concierto, que empezó a las 9 de una calurosa tarde y terminó a las 7 y media de la mañana. Mil cuatrocientas personas de todas las edades en un espacio que se transformó en mágico conforme desfilaban artistas por el escenario presentados por mi amiga periodista Mª de las Angustias. Yo flotaba de emociones.

Cartel del concierto "Máximo Moreno entre amigos"

Cartel del homenaje

En una entrevista que te leía hace unos meses decías que “Los pintores no se jubilan”. ¿En qué estás trabajando en estos momentos? ¿Sigues haciendo portadas de discos y dedicándote a la ilustración musical, o por el contrario estás enfocando tu arte hacia otros derroteros?

Con respecto a lo que estoy haciendo. Posteriormente al concierto, hice una exposición de óleos y dibujos en la galería de Canal Sur. No era momento de exposiciones, la crisis golpea sin piedad y junto con lo que llovió y lo apartado del recinto no vendí y me costó cara la experiencia. Actualmente no hago discos porque no se hacen y estoy haciendo una nueva versión actualizada de «Hijos del Agobio MMXIII» dibujos y fotografías, pero la no venta de nada me tiene bastante desmotivado, junto con problemas físicos y emocionales.

Comentas que el arte, a pesar de ser una ocupación enriquecedora espiritualmente hablando es poco rentable, por desgracia es algo que quienes seguimos de cerca y conocemos este mundo (a diferentes niveles)  vemos con frecuencia. ¿Cuál consideras que es la raíz del problema? ¿Crees que la tendencia es seguir en esta dirección o ves viable algún conato de cambio en el futuro?  ¿Ves posibles maneras de desarrollar el arte para sortear esta situación?

La raíz del problema es que el arte de la pintura, al igual que otras ramas del arte son las primeras víctimas de esta puta crisis creada por la puta banca y sus secuaces los políticos. Aunque esto no es nuevo, en realidad yo he estado en crisis desde que tengo conciencia pictórica.

Autorecuerdos

Autorecuerdos

 Por otro lado y dejando de lado la rentabilidad ¿no es la crisis un escenario propio para que los individuos fomenten su creatividad y su sentido crítico?

Con respecto sobre si la crisis ayuda a fomentar algo.A mí, lo único que me hace es joderme todo el tiempo. Yo ya soy de la 3ª edad y se me han quitado las ganas de pasarlo canuta. Creo que esa teoría está ideada por un cabrón.

Soy gran admirador de tu trabajo por varios motivos, uno de ellos es sin duda que sabes retratar con fidelidad la idiosincrasia e identidad de un pueblo, ya sea mediante escenas cotidianas, bodegones o simples rostros. Personalmente considero este como uno de los factores fundamentales del arte, y el que en cierto modo lo hace inmortal. Lo es más aún cuando se es capaz de plasmar la realidad social de una comunidad en una época concreta, como has hecho en tus trabajos. ¿Ha sido este uno de los motores en tu arte? ¿Hay algo de reivindicación identitaria en los dibujos que hacen referencia a la idiosincrasia andaluza?

El pintor, dibujante o cualquier mamporrero de las artes, tiene que ser reflejo de la época en la que le ha tocado existir y debe reflejar en su forma de expresarse los acontecimientos, imágenes, situaciones, caras y sucesos que van aconteciendo a su alrededor. Los pintores son los primeros periodistas historiadores de la humanidad (Cuevas de Altamira, etc).

Nací en Sevilla (En el barrio de la Alameda de Hércules) después pasé a Los Remedios, después 15 años en Madrid lugar donde aprendí casi todo lo que sé, 2 años en Francia (Lorient – Bretaña) Genévè (Suiza) y vuelta a Sevilla en el 1981. Soy una mezcla, donde ser andaluz o madrileño tienen una influencia, pero no creo que sea representativo de mí. Soy un Gazpacho.

Tía Anica La Piriñaca

Tía Anica La Piriñaca

El otro aspecto que me fascina de tu trabajo es el ambiente y estilo tan característico que has imprimido a tus composiciones, herencia de pintores como Brueghel el Viejo o El Bosco. Supongo que sabes a lo que me refiero, ese halo perturbador y grotesco que se respira en portadas como las de “Hijos del agobio”, “La noche que precede a la batalla” o en dibujos como “Poder”, amén de otros tantos. Personalmente aquí sigo viendo ese retrato de una realidad social pero de una manera mucho más estridente y crítica, veo una representación más personal pero del mismo entorno al fin y al cabo. ¿Qué pretendías decir con este tipo de dibujos? ¿Consideras que en estas décadas ha cambiado el escenario representado en dichas pinturas o seguimos viviendo en ese ambiente desolador rodeados de extraños monstruos?

Considero mis personajes menos monstruos que los que nos manejan. Después de analizar a Rajoy, Montoro, Cospedal, Gadafi o el canalla de Siria, ect. Todos mis personajes se repiten a lo largo de la historia con diferentes caretas, corbatas y mentiras. La humanidad tiene difícil solución, lo único que puedo hacer es contarlo a mi manera. El Poder se autopudre en el momento que se crea. ¿Creo…?aunque soy agnóstico.

Jinetes apocalípticos (portada de La noche que precede a la batalla)

Jinetes apocalípticos (portada de La noche que precede a la batalla)

Probablemente uno de tus dibujos más reconocidos sea el de “Hijos del agobio”. En gran parte lo es porque aglutina de manera magistral los dos factores que comentaba en las anteriores preguntas. El grito de ese Cristo hipnotiza y es imposible mirarlo sin preguntarse qué hay detrás de tal agonía. Aunque el dibujo es anterior a la salida del disco, imagino que hablarías con Triana sobre lo que la portada debía representar ¿Recuerdas cuáles eran sus intenciones? Sea como fuere y aunque sea difícil de explicar, la portada del álbum encaja a la perfección con el contenido del mismo. ¿Qué representa el desfile de sórdidos personajes de esta pintura? ¿Qué se esconde tras el escalofriante grito del Cristo y por qué aparece precisamente un Cristo simbolizando el dolor?

Te adjunto el dibujo original. No es un Cristo, es el Ángel caído, dueño y señor de los infiernos que lanza un grito de queja (Quejío) porque está hasta los cojones de la cantidad de mierda que le mandan, incluido la polución que les acompaña y es el segundo de 4 dibujos. Anterior al disco, al principio hubo diferencias por el formato y la dureza de los personajes. Pero al final y de acuerdo con el grupo y el productor Gonzalo García Pelayo decidimos adaptarlo para la carpeta.

Los personajes descienden. Es curioso, lo ascendente se vincula al cielo y lo descendente al infierno, las cosas de la iglesia. Cada uno son un compendio de desastres que llegan a ser cómicos pero la realidad no es cómica, la realidad es puta tragedia. Escribo poco o casi nada y me cuesta bastante contar mis cuadros, espero que comprendas lo que intento decir.

Hijos del agobio

Hijos del agobio

Pensando en gritos que transmiten desolación y desesperanza es imposible obviar a otros tres grupos de aquella época y que utilizaron portadas con imágenes semejantes. Hablo de King Crimson con su “Court of the crimson King”, de Uriah Heep con “Very ‘eavy… Very ‘umble” y de Pink Floyd con la portada de la versión cinematográfica de “The Wall” (aunque esta es de 1982). ¿Crees que existe algún tipo de relación entre estas imágenes y lo que representan? Aunque estos tres ejemplos son de bandas británicas ¿encuentras un nexo común entre la Andalucía de los años setenta y el Reino Unido de los 70-80?. También me llama la atención que las cuatro bandas se muevan en el terreno del rock progresivo, ¿cuál crees que puede ser el motivo?

El dibujo es del 1975 y las portadas magníficas de las que me hablas personalmente no me influyeron, pero sí su música. Sobre todo King Crimson que los vi en directo en el teatro Alcalá, y Frank Zappa, Pink Floyd, Weather Report, Robert Wyatt (Soft Machine), cuartetos de Beethoven y las cantatas de J.S.Bach con el que sigo enganchado. Lo mezclo todo según me levante.

Cartel cinematográfico de The wall

Cartel cinematográfico de The wall

Hablando de Triana, además de ilustrar sus tres primeros trabajos colaboraste con ellos en coros y en la letra de “Tiempo sin saber”, ¿te unía a ellos algún tipo de amistad previa o se forjó la relación por el trabajo que hiciste con ellos? ¿mantienes actualmente algún tipo de relación con Eduardo Rodríguez Rodway?

Eduardo R.R era compañero de mi hermano Josele en el grupo «Los Payos», Tele era el batería y Jesús lo conocía desde que estaba en los Nuevos Tiempos con Manolo Rosa, bajista que también tocó con los Payos. Jesús como yo era de la calle Feria y coincidimos todos en Madrid pero nos conocíamos desde las primeras fiestas del colegio Santo Ángel donde yo estudiaba 6º de bachiller y organizabamos dichas fiestas Sábados y Domingos. Pasaron por allí Silvio, Smash, Gualberto y muchos más.También coincidíamos en el club D.Gonzalo (de G.García Pelayo) donde Smash hicieron una inolvidable actuación. Eduardo R.R vive en los Caños de Meca y no tenemos relación. Al que más veo es a Antonio Smash porque somos vecinos y alguna que otra vez a Rafael Marinelli.

Antes te hablaba de “Poder”, un dibujo en el que veo una descripción brillante y muy crítica de nuestra realidad social, que aún sigue vigente cuarenta años después. Aunque el estilo no tenga nada que ver, el fin de la pintura me ha recordado sobremanera al trabajo de John Heartfield durante el III Reich. ¿Consideras el arte como un medio para transformar la realidad? ¿es una manera de luchar contra el status quo tan efectiva como pueda serlo la lucha tradicional?

Respecto sobre si el arte es una vía o mecanismo para transformar la realidad, no. La realidad se puede interpretar, maquillar, tergiversar. Pero la realidad es lo que está pasando en el mismo momento que la nombras y es vieja e indomable como la mierda o el amor. El título de los cuadros se los debería de poner el espectador, pero para diferenciarlo de otros poderes le llamaría Poder Anda-luz (300.000 Kms/s). Creo,que la crítica es una necesidad de la mente, es necesaria para el ser humano es una forma derivada de la opinión con la protesta, hay que protestar porque si no los cabrones toman las riendas de esto que es de todos. La protesta debe de ser infinita como las ansias de poder de los canallas. Y si te equivocas rectificas y pides perdón públicamente.

Poder

Poder

Personalmente interpreto el arte en todas sus formas como un potente instrumento de cambio social. Precisamente tú has ilustrado el trabajo de grandes artistas en una época convulsa, muchos de ellos se movían en un círculo crítico y con la innovación en su música formaron parte de un cierto cambio social. ¿Trabajaste con ellos porque compartíais este objetivo tanto en la música como en la pintura? Pasado el tiempo ¿mantienes buena relación con alguno de ellos? ¿Seguís compartiendo una visión crítica del panorama que vivimos?

No necesariamente, aunque a veces coincidíamos. Era mi trabajo y eran muchos diseños y fotografías, y muchos artistas de diferentes estilos (flamenco, rock, cantautores, etc). De vez en cuando me encuentro a Antonio Smash, Rafael Marinelli o a Gualberto y seguimos teniendo cada uno nuestra idiosincrasia y sentido crítico,pero no formamos grupo ni reuniones y todo es casual y anárquico.

En tus ilustraciones para discos siempre sueles plasmar alguna referencia social o política, algo que encajaba muy bien con el material de muchos de los artistas con los que trabajabas hace algunas décadas, actualmente veo que la frecuencia con la que elaboras portadas es bastante menor ¿te resulta más difícil encontrar grupos que encajen con esta visión?

Yo no elijo a los artistas, son ellos y sus sellos discográficos los que me llamaban y me ofrecían la posibilidad de hacer los diseños de sus carpetas y los reportajes fotográficos. Al principio las discográficas establecían los precios y al cabo de unos años lo establecía yo. Actualmente se editan pocos discos, casi ninguno. El CD ha cambiado el concepto y al pasar de 31×31 cms. a 12×12 cms. creen que es más fácil de diseñar y se lo hace cualquier amigo o familiar con inquietudes inquietantes artísticas.

Durante los últimos años del franquismo y la transición ya te encontrabas desarrollando tu trabajo, por el que has sido censurado y perseguido. Cuentas el ejemplo de la portada del recopilatorio “Canciones para la libertad” (1976, con Franco muerto) por la que fuiste buscado por la guardia civil, ¿Notaste cierta laxitud en la censura tras la muerte del dictador o las persecuciones siguieron durante el periodo de la transición?. A lo largo de todo este tiempo ¿en qué medida sufriste la persecución y la censura política? ¿consideras que a día de hoy se puede seguir hablando de censura en forma de tabúes o temas prohibidos?

No fui buscado por la guardia civil. ¿Creo? pero aquella época era tan siniestra que te sentías perseguido,atemorizado,vilipendiado y era necesario acabar con esa escoria. Aunque sus lobeznos están aquí de nuevo con sus putas corbatas rosas y celestes.

Portada de Canciones para la libertad

Portada de Canciones para la libertad

En esta época florecieron diferentes vías de expresión artística con un fuerte componente crítico y contracultural, como pudieran ser los fanzines y publicaciones satíricas, ¿alguna vez has tenido algún tipo de contacto con proyectos de este tipo?

No, nunca.

Durante los años ochenta tuvo un fuerte impacto la movida madrileña, en la que en gran medida primó la estética sobre el contenido musical o lírico. Esta corriente ha sido duramente criticada por, entre otras cosas, haber supuesto una cortina que tapó y devoró la popularidad de diferentes tendencias musicales de calidad (rock sinfónico y andaluz, heavy, rock radical vasco…) que tenían un fuerte potencial crítico y unos mensajes y fondos más complejos. A pesar de que esta corriente tuvo su auge en la época en la que tú ilustrabas discos para Movieplay, CBS, RCA o Fonográm, nunca has tenido relación con este mundo ¿hubo intentos por alguna de las partes en que trabajaras con grupos de la movida? ¿lo hubieras hecho? por otra parte ¿qué opinión tuviste en su día de este movimiento y cuál tienes ahora con el paso de los años? ¿Qué papel consideras que jugaba la estética para la movida madrileña?

Yo regresé a Sevilla en 1981 y la Movida madrileña me cogió mayorcito y con mi segunda mujer y una hija de un año y más quemao que el cenicero de un bingo. En Sevilla me dediqué a dibujar para mí y al año siguiente hice una exposición de 32 dibujos donde estaba incluido el cartel de las fiestas de primavera (Semana Santa y Feria) de 1982. Seguí haciendo carteles que alternaba con murales y diseño de espacios, bares, zapatería infantil, pubs, discotecas… y la movida no me interesaba salvo las cosas que hacía Santiago Auserón desde Radio Futura hasta lo que está haciendo actualmente, por cierto que es el productor de los últimos trabajos de Antonio Smash. Almodóvar y su movida siempre me han aburrido.

Durante tu trayectoria has puesto cara a muchos trabajos discográficos que han hecho historia en nuestra música, ¿cuál consideras que es tu mejor obra?, y como aficionado a la música ¿con qué artistas has estado más orgulloso de participar?

Canciones para la Libertad, El patio, Hijos del agobio, Sombra y luz y el artista que más he admirado es Paco de Lucía, Gualberto, Luis Eduardo Aute y mi querido maestro y hermano Benito Moreno.

"El patio" de Triana

Portada de El patio de Triana

Desde que comenzaste a trabajar haciendo portadas hasta hoy ha cambiado mucho el mercado discográfico y con ello el estilo en la presentación física de los discos. Si se observan algunos de los vinilos que has ilustrado se pueden pasar largos ratos analizando minuciosamente los detalles y entresijos de los dibujos, pienso por ejemplo en todos los rostros ocultos que hay en la portada de “El patio” de Triana. Actualmente el consumo de música es completamente diferente, el intercambio en internet tiene un gran impacto y en el consumo de formatos físicos prima el compact disc, cuyo tamaño no permite disfrutar de las portadas con la plenitud del vinilo. ¿Crees que la ilustración en las portadas de discos ha perdido su sentido o se concibe de manera diferente a hace treinta o cuarenta años? ¿Qué opinión te merece la ilustración digital que se ve cada vez más en las portadas de discos?

Últimamente hice recopilaciones de de temas de Triana y otra con tada la obra de “El Barrio” pero diseños de carpetas desde que desapareció el vinilo no me han vuelto llamar.Los CDs al haber cambiado de formato solo hice algunos para Senador los del Barrio. La ilustración digital me gusta y de hecho estoy experimentando con las 3D, pero de forma abstracta y de forma personal y sin comercializar.

Si tuvieras que elegir cinco portadas de discos de cualquier estilo o época, ya sea por su valor estético o significado ¿cuáles elegirías? ¿tienes algún ilustrador predilecto?

Estas portadas más que por sus diseños fueron por lo que significaron para mí en el momento que salieron:

Cream – Disraeli Gears

freecovers.net
King Crimson – In the court of the Crimson King

king crimson
King Crimson – Lizard

lizard
The Beatles – Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band

sgt pepper
The Beatles – Revolver

revolver
Pink Floyd – Ummagumma

ummagumma

Por mí parte esto es todo Máximo, ha sido un auténtico placer contar contigo y te agradezco enormemente que le hayas dedicado tu tiempo a esta extensa entrevista. Tuyas son las últimas palabras.

Un abrazo y gracias por tu interés.

El heavy metal en imágenes: “Metalheads, The global brotherhood”

Ojeando el blog de Salva Rubio, autor del libro Metal extremo: 30 años de oscuridad (1981-2011), me he encontrado con una entrada que me ha llamado bastante la atención. Se trata de la salida este pasado Marzo de Metalheads: The global brotherhood, un libro dedicado al metal, pero esta vez desde una perspectiva poco común, las fotografías de seguidores del género. Según el autor Jörg Brüggemann se le encendió la bombilla al ver el documental Global Metal de Sam Dunn, en el que se demuestra como la cultura del heavy metal recorre todo el planeta y está presente hasta en el más recóndito rincón del globo. Por lo que este alemán se lanzó a la aventura y se embarcó en la gira mundial de la banda de unos amigos y se dedicó a retratar al público heavy de Argentina, Brasil, Indonesia, Malasia, Egipto, Alemania, Austria, Suiza y Estados Unidos.

Foto de “Metalheads: The global brotherhood”

El resultado son 144 páginas de fotografías analógicas acompañadas de textos informativos que nos sitúan en el contexto de las imágenes.  El libro además incluye un CD editado por Nuclear Blast con canciones de bandas como Accept, Destruction o Belphegor. En un pequeño video de presentación el propio Brüggemann explica que le movió a realizar este proyecto y aparecen varias de las fotografías del mismo.

Algunas de las imágenes que aparecen en el libro que se pueden ver tanto en este video como en la web son muy curiosas a la par que representativas. Me llama mucho la atención ver a las jóvenes musulmanas haciendo headbanging con los velos puestos, un llamativo símbolo visual de que el heavy metal no solo trasciende fronteras geógraficas, sino también culturales y religiosas, una cara dulce de la globalización. Por otra parte, como se ve a la perfección en Global Metal de San Dunn el metal es un fenómeno que en determinados contextos ha tenido y tiene un significado revolucionario, de cambio social e incluso político, en definitiva como fenómeno contracultural opuesto al status quo, algo válido tanto en países occidentales y católicos como en sistemas políticos islámicos, dictaduras, etc.

Foto de “Metalheads: The global brotherhood”

Lo que encuentro realmente enriquecedor de esta publicación es que todas estas cuestiones que comento se pueden plasmar perfectamente en unas pocas imágenes, símbolos que representen realidades, en definitiva buenas fotografías. Al igual que ver un libro de fotografías de Robert Capa es una fiel descripción de la primera mitad del siglo XX sin palabras, necesaria para entender la realidad de esta etapa histórica, ver las fotos del público heavy alrededor del mundo, insertos en culturas totalmente diferentes, y ver sus dinámicas, interacciones, similitudes y diferencias es una detallista descripción de la cara más sociológica de este género musical.